一九五五年左右，約莫也是咆勃（Bebop）樂風盛行了十餘年之後，有些音樂家開始逐漸去尋找新的素材、新的聲響，除了一般大家所認知的往火熱的精純咆勃（Hard Bop）及酷派（Cool）兩個方向靠攏之外，在音樂家之間，也出現了一些較為理論式的整理，譬如著名的編曲家暨理論家George
Russell，寫了一本「The Lydian Chromatic Concept of Tonal Organization」，這本理論書時至今日，仍不太好消化，主要的原因是想要完全地運用這個概念，那麼出來的聲響就會變得很亮很新，人耳需要一段時間方能習慣。不過閱讀本書並非是聽音樂者的必要功課，我們可以了解的是這樣追求新聲響的概念，的確影響了許多彼時的爵士音樂家，尤其是今日被公認為爵士樂經典的大師們如Miles
Davis、Eric Dolphy等等，這就如同是現在流行的「趨勢」說法，一個流行的時尚風潮被提出之後，大多的知名廠牌就會跟進，一時之間全世界就會蔓延著一股特定的風潮。當代爵士樂的領航者Miles Davis，一直就是嗅覺敏銳的先鋒，他對於新聲響的追求，往往是不遺餘力的，除了我們於之前提到過的合奏形式及發掘樂手的部份，Miles也希望能「用智不用力」—與其用盡力氣吹高吹快，不如想辦法從和絃聲響中找出閃閃發亮的聲音，各位不妨聽聽他早於1955年所吹奏的標準曲《I'll Remember April》一曲，在即興的一開頭，他就吹出了懸浮於和聲之上、人耳上覺得比較新鮮的聲音，在學理上，那就是所謂的「Lydian Sound」。然而只有一個音改變，整體架構不變，對Miles而言可說是隔靴搔癢，所以大家就開始朝新的曲子創作上下手，Miles所採取的方式，是讓節奏組（Rhythm Section）維持搖擺律動及咆勃的互動模式，卻將和聲節奏（Harmonic Rhythm）拉長，用一個音階或兩個音階來馳騁於為數極少的和絃上頭，常見的調式，其實也是音階的衍生而已（註二）。然而就如同我們所介紹過的「Kind Of Blue」中之《So What》一曲一樣，創作是這樣發想的，然而即興仍是各憑本事，也就是樂手有更大的空間來達成他心目中想要的聲音，而搭配的夥伴，也要打蛇隨棍上才行。（註三）
建議各位聽聽〝前泛藍調調〞時期的Miles作品，譬如1958年收錄於「Milestones」專輯中的《Miles》一曲，您就會發現背後的樂手於伴奏上，不再是上上下下很忙碌地變換和絃，反而會留空間給即興者來揮灑，而背後的聲響鋪陳，就比較持續穩定些，簡單地說，畫布的尺寸比較大，畫家就比較不會礙手礙腳，一定得像從前一樣不斷穿越障礙的樣子。
當然今天我們在討論調式音樂時，大部分的史書都會拿《So What》或John Coltrane的《Impressions》當例子，因為它們易於辨認且容易理解，然而調式爵士絕不停滯於此，其中兩個大方向可以給各位作為參考︰第一類就是維持寬廣的和聲節奏，在特定聲響的制約上即興，這就會讓聽者產生強烈的「調式」（Modal）感覺；第二類則繼續〝找自己麻煩〞，在一首曲子上安排不同的調式所衍生的和絃，經過設計之後再來演奏或即興，這樣的調式爵士，最著名的即是Miles的小老弟們，也是今日眾人仰望的爵士樂大師—薩克斯風手Wayne Shorter與鋼琴手Herbie Hancock之諸多經典作品，各位不妨聽聽很清楚的第二類型代表作，由Herbie Hancock所創作的《One Finger Snap》一曲，背後的和絃就不照調性（Tonality）走了，加上又把主題旋律寫得很〝拗口〞，一般聽眾就只能聽見「很快」、「很怪」的感受了！
然而請大家不用擔心，第二類型的調式樂曲，請交由樂手來操心吧！一位好樂手，理應說到做到，自己想綁繩子演特技，成敗必須自行負責，這也是為何樂手永遠有需要精進磨練的地方，因為永遠有很多需要克服到流暢自然之處。在一般的音樂介紹或評論文字之中，如果我們讀到一位樂手的曲風帶有濃厚的調式味，那麼十有八九是指第一類型的調式爵士類型作品，而這類的作品除了調式音階之外，還會有一些特定音階的援用，十分容易辨認。因此接下來的章節，就讓我們來體會一下它們的聲音吧！
特定的音階聲響，其實還算不少，1958年後的爵士樂，有種愈來愈嚴肅認真的傾向，當然這跟黑人民權運動多少有點關係，有許多樂曲，聽起來也有不少非洲傳統部落祭典的意味，這樣的音樂以古典音樂的角度來看，都以偏小調調性（Minor Keys）居多，它們在和聲進行上，甚至是沈重而延續的，推到最極致，就會用固定而反覆的低音拍型，或是持續的低音來強化，譬如John Coltrane寫給愛妻的《Naima》，就是爵士樂史上完全使用「持續低音」（Pedal Point）的著稱名曲，和聲在上面變換，下面的低音卻堅守崗位。在Coltrane後來的Impulse!錄音時期，也可以聽到貝斯手Jimmy Garrison大量持續而動盪的低音線條，整個節奏組，反倒是像在創造一波又一波的脈動，而多於提供跳動變化的和絃連結。我們一再提到的Herbie Hancock《Maiden Voyage》一曲，也有類似的和聲及低音傾向。
小調的樂風，讓爵士音樂家可以選擇幾種不同的音階來即興，譬如說大家常聽到的多里安調式（Dorian），除了《So What》的主題之外，還有Joe Henderson的《Recorda Me》等，不過大部分的聲響，都是出現在即興的過程中比較多。背後鋼琴手的和絃色彩，也愈來愈「暗」（Dark），常常這樣的曲子就很像「包青天」一樣，一開頭鼓手一個銅鈸〝匡〞敲下去，鋼琴手則在後面像是古箏一樣地來回鋪陳色彩，Coltrane有好幾首樂曲都是這樣的味道。
既然是小調，在傳統色彩的聯想上，就會有全世界幾乎各民族都擁有的五聲音階（Pentatonic Scale），五聲音階不是只有中國才有，非洲音樂、居爾特音樂、印第安音樂都有大量的五聲音階元素（註四），爵士音樂家使用五聲音階，除了它與藍調音階（Blues Scale）十分近似之外，最主要的原始目的，還是為了要創造出灰暗、莊嚴的色彩，或是帶有草根性的黑人味。早期比較著名的五聲音階樂曲，有Duke Ellington的《In A Sentimental Mood》（也是John Coltrane偏愛演奏的樂曲），以及與藍調結合的Milt Jackson之《Bag's Groove》、Sonny Clark之《Cool Struttin'》、Art Blakey之《Moanin'》等，值得注意的是雖然主題的「創作」上是五聲音階，但是在「即興」上頭，樂手們還是運用了很多Bebop的手法。比較晚期的作品，則包括了Coltrane的《Wise One》、《Spiritual》、著名的「A Love Supreme」中之《Acknowledgement》，還有Wayne Shorter沒事愛在家裡摸八圈的《Mahjong》，聽聽他們的即興，就會有更多的元素參雜在裡頭了！
在即興上，五聲音階也成為了爵士樂手愈來愈愛用的材料，譬如John Coltrane把原本很可愛的真善美插曲《My Favorite Things》改編成〝揮灑烈愛〞的版本中，就聽他拼命地把五聲音階跑上跑下的，形成了一串又一串的聲響，而非只是一組組音符而已。原為John Coltrane經典四重奏成員的鋼琴手McCoy Tyner，更把這樣的觀念發揚光大，各位可以很清楚地在McCoy的演奏中，輕易地聽到許多輕巧卻又快速的「Pentatonic Run」，這也是為何當比McCoy晚一點出道的當代鋼琴大師Chick Corea，於1968年推出第一張專輯「Now He Sings , Now He Sobs」時，遭到了兩極化的批評之緣故，討厭他的人，認為Chick只不過完全是在模仿McCoy而已，而支持他的人，則會從合奏模式及句法切入，探討Chick Corea的獨特之處，當然，今天Chick Corea已經是眾人仰望的大師了，然而在當時，不過就是在五聲音階的運用上，與另一位大師McCoy Tyner有〝撞衫〞的巧合罷了！
